Gilbert Coudène: “No hay creación sin riesgo”

El muralista de Fete des Lumières habla con iluminet sobre los retos creativos de su instalación “Lyon, Terre Aux Lumière”

Por María Ángeles Marín

Gilber Coudène Foto: CitéCréation
Gilber Coudène Foto: CitéCréation

Gilber Coudène es muralista, fundador de la Sociedad Corporativa Lyonesa “Cite de la Creation” asociación líder en arte mural a nivel mundial. Participó en las dos últimas ediciones de la Fete des Lumières (FDL) de Lyon, Francia, con obras de videomapping en las que integra como elementos creativos la luz y el movimiento aplicados a imágenes proyectadas a gran escala sobre fachadas de edificios emblemáticos de la ciudad.

Conversamos con Coudène, realizador del espectáculo “Lyon, Terre Aux Lumière” presentado el pasado mes de diciembre en la Place des Terraux. Abordamos su quehacer como muralista, su forma de trabajar y su transición al mundo de tecnología. Recordó su paso por la Ciudad de México como muralista en el barrio de Tepito, hace treinta años.

Gilbert habla español fluido, algunas de sus expresiones guardan aun el inconfundible sello del barrio.

Maria Ángeles Marín: ¿Cómo se dio el proyecto en Place de Terraux?

Gilbert Coudène: La Place de Terraux es un espacio simbólico. Muchos artistas quieren estar en ese lugar para la FDL. Cada año reciben gran cantidad de proyectos de empresas extranjeras con amplia trayectoria. Presentan propuestas muy bellas y son muy buenos, algunos vienen desde hace años, están los mejores. La competencia es muy fuerte.

Yo solo tenía una experiencia anterior con el proyecto “Fresque des Lyonnais” que realicé por primera vez para la FDL en 2013. Pensé: “Debemos tener una idea más fuerte para ganar”. En los catorce años del festival nunca hubo un leonés que ganara este concurso hasta ahora.

Pienso que no hay creación sin riesgo, lo mencioné al comité de selección y el alcalde de la ciudad de Lyon, Gérard Collomb, también presidente del jurado de la FDL, lo entendió. Era un riesgo fenomenal, dentro del jurado había muchas personas que tenían miedo, y él dijo: “es el riesgo lo que da la fuerza a una obra, debemos tomarlo” y lo eligieron…

Fue un trabajo muy intenso y creativo integrando elementos de luz, dibujos, música, danza, movimiento… con algunas astucias mágicas yo gané.

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MAM: ¿En qué consiste esa magia?

GC: Las obras que realizo son obras pensadas para los lugares específicos, con identidad propia, dan sentido de pertenencia. Están cargadas de la fuerza del escenario real, eso me parece fundamental, es mi forma de trabajar.

Ahí yo plasmo mi impresión del espacio, de su historia, de sus personajes e integro otros elementos como, en este caso, la música de la Ópera de Lyon, de la Orquesta Nacional de Lyon, del Conservatorio Nacional Superior de Música de Lyon, de Tango de Soie, grupo argentino que vive aquí, los de la danza clásica y también los Pokemon Crew, leoneses que bailan hiphop, break dance y ahora se presentan alrededor del mundo… para mi la idea principal era trabajar con mis diseños, plasmarlos en la pantalla y crear para dar la magia. Gané y conté con el apoyo de muchas personas de Lyon.

Cabe mencionar que su proyecto para la FDL de 2013 “Fresque des Lyonnais” fue galardonado con el “Prix de Parteners de la Fetes des Lumieres” (Premio a los Socios del FDL). También recibió el “Trophée National de l’enterprise Citoyenne” (Trofeo Nacional del Ciudadano Corporativo)

MAM: ¿Cómo surge el concepto en Place de Terraux?

GC: Partí de siete lienzos que están en el interior del Museo de Bellas Artes, del otro lado de la pared; quise sacarlos al exterior, a la calle, decir que eso es un museo con pinturas.

Imaginé una escena alrededor de una bailarina de una pintura de Degas en la que ella no danza ¿qué piensa durante la noche? ¿qué desea? tal vez ella quiere ver el cuadro de Brouillard que está ahí mismo, entrar en él y hacer cosas. Puede estar enamorada del personaje de otro cuadro, pueden besarse. Durante esa noche ella sale de su lienzo y entra a otros lienzos para después regresar al museo. Es como un sueño de esta chica. Escribí la situación y diseñé los escenarios alrededor de esa historia.

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MAM: En ocasiones vemos videoemappings que son sorprendentes en su forma pero pobres en su contenido. Este no es el caso.

GC: Hay artistas que hacen videomapping con mucho color pero sin identidad. Hacen lo mismo para Moscú, Montreal, Shangai, y de golpe venden siete proyectos, es un asunto de dinero. Para mi no es eso, cuando realizas un proyecto, debes de concebirlo específicamente para ese escenario. En Place de Terraux está el Museo de Bellas Artes, el Hotel de Ville, detrás está la Ópera, a la derecha está el Tango de Soie. Todo se trabaja alrededor de esto. Las paredes son la piel de los habitantes, así nos decían en Tepito Arte Acá hace treinta años cuando trabajamos con ellos.

En efecto, en 1983 Coudène trabajó en la Ciudad de México en el proyecto “El Corazón de Tepito”. Realizó alrededor de 30 frescos en colaboración con Populart y con el apoyo de Tepito Arte Acá. Murales impregnados de la emoción, fuerza y visión de ese barrio emblemático.

Gilbert enfatiza: “así la obra adquiere mayor fuerza, no puede servir para otro lugar mas que para este”.

MAM: Sin embargo, el lenguaje de la luz puede ser universal cuando tocas fibras sensibles.

GC: Para mi la luz es como la pintura, el objeto únicamente sirve para expresar pero lo que se dice debe provenir de la historia, de la memoria, de la identidad. Con esta manera de ver el espacio en el que vas a trabajar, nuestra labor adquiere un sentido mucho más humano, más orgánico y por ello, con mayor significado. Ahí surge la magia.

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MAM: No se trata de hacer un muestrario de efectos visuales sorprendentes.

GC: Exacto. La luz es muy peligrosa porque puede ser más fuerte que la pintura misma.

MAM: ¿Peligrosa en qué manera?

GC: Peligrosa porque si el objeto de la luz es más fuerte que el sentido de las cosas, se pierde la idea, se pierde lo humano, la identidad. Es únicamente una luz o muchas luces, pero ¿para qué sirve lo que voy a hacer? ¿qué sentido tiene?

MAM: ¿Cuál es el sentido de tu quehacer?

GC: Son los otros, el público. Poder brindar a la gente de día y de noche algunos momentos diferentes, de placer y alegría, con un evento gratuito, sin obligaciones, con libertad, inútil, pero fundamental para el bien social, para que miremos de forma conjunta y podamos hablar.

MAM: Vienes del mundo de la pintura, una forma de creación artística donde se da una relación más íntima con el lienzo o el muro; al entrar en juego la tecnología ¿cómo haces la síntesis, cómo integras la parte tecnológica al proceso creativo?

GC: Yo desarrollo la concepción general y la dirección artística, soy también productor. Creo las escenas y sé lo que quiero pero no conozco bien la tecnología actual. El otro productor y yo somos viejos pero con muchas experiencias. En nuestro equipo hay jóvenes que no tienen la experiencia pero son muy alegres, tienen la vitalidad y sobre todo manejan la tecnología de manera muy rápida y fácilmente. Yo pregunto, hago los primeros bocetos de diseños y ellos hacen la traducción a la técnica.

La combinación ha sido benéfica para ambos. Nosotros viejos aportamos nuestra experiencia y escuchamos lo que dicen los jóvenes y cómo se pueden hacer las cosas con la tecnología actual. Ellos son muy respetuosos, escuchan y hacemos siempre una traducción. Hablamos todos el mismo idioma francés pero alrededor de esto hablamos lenguajes muy diferentes. Somos generaciones que se mezclan y yo soy el traductor permanente. Ha resultado una buena manera de hacer equipo.

MAM: ¿Cómo fue la transición de tu trabajo mural a este trabajo de videomapping?

GC: Durante 35 años he trabajado no como un artista sino como un artesano de la pintura mural. No trabajo para mi únicamente y lo que me sale de la cabeza es una respuesta impregnada del medio social en el que trabajo, busco la mejor respuesta para la gente, el grupo, eso es muy importante. A través de los años he adquirido práctica, entonces es más fácil para mi trabajar de esta manera con la luz, porque la gente que trabaja aquí son artistas, yo no lo soy.

Hacemos una investigación alrededor de la noción de la vertical en las ciudades, en la pintura, estudiamos los materiales, las innovaciones en el campo de la construcción, de la luz, de todas las formas nuevas de electrónica y otras high tec.

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MAM: ¿Cuánto tiempo te tomó desarrollar el proyecto?

GC: El concurso fue en primavera y la respuesta el 7 de julio. Comencé a trabajar a principio de agosto muy duro hasta noviembre, cuatro meses muy intensos, de día y de noche.

MAM: ¿Técnicamente que significó realizar este proyecto?

GC: La superficie de la plaza es de 4000 m2. El tiro más largo es de 120 metros. Usamos un total de ocho proyectores Barco, de 28 mil lumens, distribuidos en diferentes partes: cinco sobre el edificio del Ayuntamiento y tres para el Museo de Bellas Artes, integrados de tal manera que en su conjunto escriben lo que viste.

MAM:¿Qué te pareció la reacción del público?

GC: El arte está en los ojos, en la mirada entre la obra y los ojos de quien la observa. Cuando hay luz en los ojos, cuando la gente está bien hay un momentito de arte. Son como ochocientas mil personas que asisten en cuatro días, es increíble, vienen de Lyon, de los alrededores, de otros países. Es un evento muy familiar, de convivencia entre niños y viejos. Las personas vienen de las ciudades populares, salen solo este día … es un momento muy agradable. Y esa satisfacción se ve en el público, en la gente, en nosotros… es un show gratuito y eso para mi es siempre el apellido… Es regresar el arte a la gente común.

MAM: Tu sonrisa refleja esa satisfacción…

GC: Para todo el público y ya ¡ándale!

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MAM: Háblanos de tu proyecto “Cite de la Creation”.

GC: Es una sociedad corporativa Lyonesa creada en 1978 en Oullins, Francia. Partimos de la idea de reconquistar las áreas en las que trabajamos, reforzar el sentimiento de pertenencia al plasmar en los muros ilustraciones que muestran fuertes identidades culturales. Los murales están diseñados para descubrir, embellecer y otorgar un aspecto mágico a los sitios.

Hemos realizado alrededor de 650 pinturas murales en diversas partes del mundo. En Shangai, Montreal, Barcelona, Liepzig, Berlín, Jerusalem, y muchos más, siempre con identidad propia.

Son trabajos permanentes, algunos tienen veinte o treinta años. Los mantienen limpios con un poco de agua y ya. Son obras jóvenes si las comparamos con pinturas rupestres con treinta y ocho mil años de antigüedad.

MAM: ¿Y la escuela que fundaste?

GC: Después de 35 años de trabajo como muralista pensé en abrir una escuela de estudios superiores de pintura del arte mural: Echol Cite. Quiero dar todo lo que tengo, transmitir todo lo que sé, es muy importante para mi.

MAM: ¿Planes para el futuro?

GC: Seguir con la escuela y, de vez en cuando, hacer una creación como las de la FDL pero incluyendo otras cosas. Las técnicas de hoy pueden dar muchas respuestas para la interacción entre el público y la obra, entre el día y la noche, el calor y el frío, la vegetación, el agua. En fin, se pueden integrar muchos elementos a la reflexion alrededor de una obra puntual ya sea un show o algo más permanente.

MAM: Durante tu estancia en Tepito tuviste la oportunidad de acercarte a la cultura popular mexicana, conoces la tradición muralista que tenemos. ¿Cuál sería tu sugerencia para fortalecer la cultura de la luz en nuestro país?

GC: Dar chance a los de México. Hay muchas personas con gran talento en pintura mural, y en muchas otras cosas. Los mexicanos son gente orgullosa de su cultura, con facilidad para hacer cosas con las manos y la cabeza. Hacen muchas transformaciones, las cosas no mueren, siempre las aprovechan y las modifican… es como una reconstrucción permanente. Al igual que con la cultura prehispánica y la hispánica, se reconstruye la identidad de este país, en el que existen personas con increíble imaginación, increíble inteligencia… pero necesitan que les den chance y que las autoridades puedan entender, como dije, que no hay creación sin riesgo. Hoy lo que falta en muchos países es lo mismo: el derecho al riesgo. Esa es mi humilde opinion.

Con un tono cordial y la añoranza de regresar a México algún día, Gilbert Coudène concluye su plática.

La experiencia de asistir a la FDL enriquece la percepción de lo que se puede lograr al trabajar en forma creativa con la luz y estimular no sólo la retina, sino el corazón de los espectadores.

MAM

2 comentarios en “Gilbert Coudène: “No hay creación sin riesgo”

  1. Angelito estan muy lindas las fotos, debió ser una gozada estar ahi, la entrevista trasmite mucho entusiasmo y ganas de de correr riesgos con aquello en lo que creemos y queremos hacer. Felicidades!!!. Maria Jiménez

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